The German photographer Cathleen Naundorf’s work stands at the crossroads between art and fashion photography, in a dimension where luxury offers opportunities for dreamlike imaginary explorations, and artistic references provide settings and scenarios evoking a rich array of interpretations. Naundorf has specialised for some years now in portraying beautiful women enveloped in some of the most stunning creations of contemporary haute couture, transporting them inside sophisticated retro moods with esoteric undertones through clever use of fictional scenery and stylistic echoes from paintings. This artist’s previous experience as a painter can be seen especially in the way she composes her images, but also through her use of photographic tools such as extreme exposures and her highly personal processes of colour and printing. In Cathleen Naundorf’s photos, the most breathtaking creations of designers including Dior, Gaultier, Stephane Rolland and Elie Saab are imbued with carefully stylised nostalgia, poeticising the fading tastes of the past and updating the aesthetic canons of 20th century commercial photography.
Il lavoro dell’artista di origine tedesca Cathleen Naundorf si posiziona al crocevia tra arte e fotografia di moda, lì dove il lusso offre l’opportunità per intraprendere onirici viaggi immaginari e i riferimenti artistici predispongono scenari dalle molteplici interpretazioni. Da diversi anni la fotografa ritrae splendide figure femminili avvolte in alcuni degli abiti più folgoranti dell’haute couture contemporanea, trasportandole in atmosfere dal gusto retrò e dalle sfumature esotiche grazie ad un’abile uso della finzione scenica e ad accorgimenti stilistici di stampo pittorico. La precedente esperienza dell’artista in questo ambito emerge in particolare modo dall’accurato studio nella composizione delle immagini, ma anche dall’uso creativo dell’esposizione e dalla personale rielaborazione cui sono soggetti gli inchiostri fotografici. Negli scatti di Cathleen Naundorf, le più preziose creazioni di stilisti come Dior, Gaultier, Stephane Rolland e Elie Saab si tingono di nostalgia, vestendo i fasti di un tempo trascorso e riattualizzando i canoni della fotografia commerciale del XX secolo.
A journey through the dreamlike atmospheres of India and its infinite contradictions: this is the hidden mission of the magical art of the photographer from London. She has collected and combined images gathered over years of travel in northern India, capturing the haunted princely interiors of ancient palaces and temples, using an extraordinary palette of colours which transmits a magical reality of surreal opulence. Against these suspended backdrops, vividly incongruous protagonists are transported and appear: fabulous local animals – icons of Ramayan culture – superimposing their alien charisma. The backdrops and the protagonists are captured separately as images, and then brilliantly fused digitally to create a disorientating tension which reflects the political and social contradictions of India, the echoes of postcolonial timelessness, the aesthetics of power and the bewitched incongruence between mankind and nature. The treasure-trove created from years of this obsessive research was printed last year in a superb volume published by Skira with the title India Song.
Un viaggio attraverso le atmosfere incantate dell’India e le sue infinite contraddizioni: è questo che si nasconde dietro gli scatti caleidoscopici della fotografa londinese Karen Knorr. Le immagini, raccolte nel corso di anni trascorsi viaggiando nei territori dell’India del Nord, ritraggono gli interni di antichi palazzi e templi sacri, caratterizzati da una tavolozza cromatica di straordinario impatto visivo e da una fiabesca opulenza. A sottolineare il carattere onirico e surreale degli scatti sono i loro protagonisti: animali locali, attori significanti della cultura Ramayana, che si stagliano su questi incredibili fondali come padroni incontrastati di un regno immaginifico. L’intento della fotografa, che ha immortalato separatamente soggetti e scenari, per poi fonderli magistralmente con l’ausilio di tecnologie digitali, è quello di mettere in luce le contraddizioni politiche e sociali del paese: sotto la regalità delle immagini traspaiono i temi della supremazia dell’uomo sulla natura, del postcolonialismo e dell’estetica del potere. L’intera rassegna di questa profonda ed appassionata ricerca è stata raccolta lo scorso anno in un volume edito da Skira, intitolato India Song.
Peter Lippmann’s photographic campaigns for the famed Laboutin brand are authentic works of art. For six years, their creator – a highly successful fashion photographer who collaborates with all the top international magazines – has renewed his collaboration with the French footwear maison, a global luxury icon. Over this period Lippmann has composed a series of subverted timeless images in which Laboutin’s shoes and handbags have been masterfully smuggled inside portraits, still lifes and bucolic scenes in the Flemish, Impressionist or Renaissance styles. This does not involve parodying great art, rather introducing contemporary aesthetic fashion objects into anachronistic style memes which reinterpret them in a new perspective… the quality of his own and Laboutin’s arts combining to transcend the barriers of time and interact with other artists.
Più che semplici campagne, quelle firmate da Peter Lippmann per il famoso marchio Laboutin sono vere e proprie opere d’arte. L’artista, affermato fotografo di moda, reduce da importanti collaborazioni con le più note testate mondiali, rinnova da oltre sei anni la sua collaborazione con la maison francese, ovunque sinonimo di lusso ed eleganza. Nel corso di questo periodo Lippmann ha composto per i preziosi accessori immagini anacronistiche e destabilizzanti, che riprendono ritratti, nature morte e scene bucoliche – in chiave fiamminga, impressionista o rinascimentale – introducendovi qui una scarpa e là una pochette, con tale maestria da farle apparire parte integrante della scena. A dimostrazione che la qualità, estetica ed artigianale, è un valore che supera le barriere del tempo.
The drum-rolls are mounting in intensity, in preparation for the imminent opening of the new Milan headquarters of the Prada Foundation, planned for next May. Although images of the structure are being kept top secret, excited indiscretions indicate a host of surprises. The whole operation, headed by Miuccia Prada, aims to create a focal point holding the fruits of all the extraordinary collaborations carried out by the prestigious brand over the years, expressing the essence of a continuous creative process that fuses fashion with artistic heritage and experimentation. The complex will rise from the remains of an old distillery, partly restored and partly integrated with new extensions, is designed by the OMA studio headed by Rem Koolhaas. It will also contain an information area created by the École Nationale Supériore d’Architecture de Versailles and a bar conceived by the visionary American film director Wes Anderson. The events planned for the first year are rich and varied: exhibitions of selected works of art from the Prada Collection ranging from Greek and Roman antiquities to radical contemporary art, curated by Salvatore Settis, along with site-specific installations by Robert Gober and Thomas Demand, plus a preview of a new documentary by Roman Polanski and film screenings illustrating his artistic influences.
Il rullo di tamburi si propaga con sempre maggiore insistenza ad annunciare l’imminente apertura della nuova sede milanese della Fondazione Prada (prevista per il prossimo maggio). Sebbene le immagini della struttura di Largo Isarco siano ancora top secret, le informazioni che trapelano sono numerose e succulenti! Un’operazione, quella capitanata da Miuccia Prada, che promette di far convergere le tante fortunate collaborazioni sviluppate dallo storico marchio nel corso degli anni, in un percorso di ricerca perenne che mescola moda ed avangiardia artistica. Il complesso, che sorgerà sulle ceneri di un’antica distilleria in parte recuperata ed in parte implementata da nuove edificazioni, è stato progettato dallo studio OMA, capitanato da Rem Koolhaas, ed ospiterà al suo interno un’area didattica ad opera dell’École Nationale Supériore d’Architecture di Versailles ed un bar ideato dal visionario regista statunitense Wes Anderson. La programmazione del primo anno di attività della fondazione si preannuncia ricca e multisfaccettata: ad un’esposizione di opere antiche provenienti dalla Collezione Prada, curata da Salvatore Settis, si affiancheranno installazioni site-specific di Robert Gober e Thomas Demand, mentre Roman Polanski presenterà qui in anteprima un inedito documentario ed una rassegna cinematografica.
New York’s Lincoln Center presents the third instalment of its contemporary art initiatives: a stunning display of sculptural works by the Brooklyn artist Dustin Yellin, mounted in the theatre’s main hall throughout the 2015 Winter Season. In order to pay homage to the art of dance, the artist creates a series of crystalline prisms containing anthropomorphic forms in flight, suspended in the instant of exploding into a thousand coloured particles resembling butterfly wings. Created using mixed techniques and exquisitely painted, these sculptures brilliantly evoke various steps and shapes fundamental to the language of classical ballet, embodying propulsive strength and virtuoso elegance.
Il Lincoln Center di New York presenta il terzo episodio dell’iniziativa dedicata all’arte contemporanea: una impressionante installazione ad opera dell’artista di Brooklyn Dustin Yellin, allestita nella hall principale in occasione della stagione invernale 2015. L’artista, in omaggio all’arte della danza, presenta una serie di prismi cristallini all’interno dei quali volteggiano figure antropomorfe, sospese nell’atto di scomporsi in mille particelle colorate simili ad ali di farfalla. Le sculture, realizzate con tecnica mista e dipinte con estrema maestria, ritraggono fedelmente alcuni dei passi fondamentali del balletto, tra forza propulsiva ed incantevole virtuosismo.
There’s still time until the 15th of March to admire the wide-ranging retrospective on show in Somerset House in London celebrating the work of Guy Bourdin. The exhibition – titled Guy Bourdin: Image Maker and curated by Alistair O’Neill with Shelly Verthime – contains over a hundred original prints and a large amount of unpublished material (including paintings, notes and a Super8 film) created by the highly original French photographer specialized in fashion subjects. As can be seen from the photos displayed, two durable collaborations in particular played key roles in this photographic artist’s professional growth: that with Vogue Paris (beginning in 1955, and flourishing above all in the 1970s when Francine Crescent was editor), and that with the footwear brand Charles Jourdan, for whom Bourdin created images which were strikingly provoking and erotic, but always with a surreal tone. Bourdin’s art constructs images where the fashion product is just one among various shapes and forms that are orchestrated to narrate mysterious and intriguing stories.
C’è ancora tempo fino al 15 marzo per ammirare l’ampia retrospettiva allestita presso la Somerset House di Londra per celebrare l’opera di Guy Bourdin. Guy Bourdin: Image Maker, questo il titolo dell’esposizione curata da Alistair O’Neill con Shelly Verthime, mette in mostra più di un centinaio di stampe originali ed un folto numero di materiali inediti (tra cui dipinti, appunti ed un filmato Super8) dell’innovativo fotografo di moda francese. Come testimoniato dalle opera in mostra, due furono le collaborazioni che segnarono maggiormente la crescita professionale dell’artista: quella con Vogue Paris (con cui Bourdin iniziò a collaborare nel 1955, per poi ottenere pieno risalto negli anni Settanta, sotto la direzione di Francine Crescent) e quella con il marchio di calzature Charles Jourdan, per il quale l’artista sviluppò immagini provocanti ed erotiche, dal forte carattere surrealista. L’arte di Bourdin costruisce immagini, nelle quali il prodotto è solo uno dei tanti elementi formali che assecondano la narrazione di storie misteriose ed intriganti.
The works of the United States artist Chris Maynard pay tribute to the battle to protect endangered wildlife, expressed in exquisitely delicate poetic forms. Chris makes art from feathers. He produces tiny designs by cutting out parts of his fragile material, each featuring its own surprising natural pattern, and then arranging compositions of these and smaller feathered fragments against neutral backgrounds in shadow-boxes, greatly increasing the dramatic and pictorial impact. This process involves the use of surgical instruments, along with incredible patience and precision. The concept behind these operations is underlined by the correspondence between subject and substance: peacock feathers are used to depict peacocks, hummingbird feathers to depict hummingbirds, and so on (using exclusively feathers fallen naturally from perfectly healthy birds!). Examples of his work can be seen in his book published last year by Aviva Publishing, titled Feathers, form & functions.
Le opere dell’artista statunitense Chris Maynard sono un tributo alla lotta per la tutela delle specie animali, enunciato con incantevole delicatezza e poesia. Chris intaglia minuziosi, compositi profili da piume impalpabili caratterizzate da sorprendenti pattern naturali, per poi disporre le sue composizioni su sfondi neutri che ne drammatizzano l’effetto d’ombra. Per fare ciò l’artista ricorre all’utilizzo di strumenti chirurgici e di tanta, paziente, precisione. A rimarcare ulteriormente il senso logico delle sue opere, Chris abbina soggetto e supporto, ritraendo pavoni su piume di pavone, colibrì su colibrì, e via dicendo (tutti, categoricamente, caduti da uccelli dotati di ottima salute!). Un estratto della sua arte è consultabile sul volume edito lo scorso anno dalla Aviva Publishing Feathers, form & functions.
The legendary French luxury brand Hermès commissioned Dutch artist Levi Van Veluw to visually reinterpret its relationship with the Orient in an installation for its Shanghai store’s window displays. The result is an extraordinary series of evocative images whose narrative style and sublime artisan skill are reminiscent of ancient stained-glass windows. The three triptych-like displays contain beautifully coloured and executed wooden sculptures which suggest three stages of a journey made by a magnificent epic equine creature towards the marvels of the Orient: in the first image, the journey’s beginning is suggested by a nervously cluttered European room that has just been abandoned, in the second, the horse is seen revelling in the freedom of an exotic setting, while the third depicts its arrival in China bearing numerous precious Hermès gifts. And so the Dutch artist projects his extraordinary vision of the ancient brand of horse-riding accessories and its present-day metamorphosis into a symbol of global luxury.
L’artista olandese Levi Van Veluw è stato incaricato dal leggendario marchio francese Hermès di reinterpretare il rapporto tra la maison di moda e l’Oriente nell’esecuzione dell’allestimento per le sue vetrine a Shangai. Il risultato è una serie di ambientazioni che, per sviluppo narrativo e per perizia artigianale, ricordano la sacralità di antiche vetrate policrome. Le tre vetrine, allestite con sculture lignee di incantevole impatto, raccontano le tre tappe del viaggio di un vigoroso esemplare equino verso le meraviglie dell’Oriente: nella prima la maestosa creatura intraprende il proprio viaggio lasciandosi alle spalle lo scompiglio di un interno abbandonato in tutta fretta, mentre la seconda vetrina vede il cavallo avventurarsi in luoghi esotici; nell’ultimo display, infine, si assiste all’arrivo in Cina dell’animale carico di un vasto numero di preziosi doni griffati Hermès. Così l’artista olandese ha scelto di onorare l’antico marchio di accessori per l’equitazione, oggi divenuto culto.
CJ Hendry is an exceptionally gifted Australian artist, an ex-Olympic swimmer and
architecture student with an unbounded passion for fashion: a mixture of experiences
and skills that she has channelled into her art. Her works are created through a meticulous procedure and a meticulous artistic technique: subjects drawn from the world of fashion are reproduced by hand with unbelievable accuracy in monochrome on large-format paper… solely through the use of a ballpoint pen (and plenty of mind-boggling patience!). Each work – some of which take over two months to complete – begins with a choice of subject, which is then photographed from various angles and in various kinds of light. The chosen photo is printed in black and white and then hand-reproduced in ink on paper. CJ Henry’s latest project involves a series of works depicting an object that we in the Reca Group are thoroughly familiar with: fifteen shopping bags from the world’s most famous fashion brands punctiliously inked in with minute detail on 1.8 x 2.4 metre paper panels. A thrilling discovery that left us open mouthed with wonder!
CJ Hendry è un’artista australiana di eccezionale talento, un’ex nuotatrice olimpica con un passato da studente di architettura e con una sfrenata passione per la moda: un trascorso unico che la giovane artista ha saputo valorizzare dirottandone attitudini ed interessi nel mondo dell’arte. Le sue opere nascondono un processo puntiglioso quanto la tecnica scelta per la loro realizzazione. Soggetti tratti dal panorama della moda sono restituiti,
con impressionante verosimiglianza e tonalità monocroma, su supporto cartaceo di grande formato; il tutto, col solo ausilio di un rapido a china (e di una straordinaria pazienza!). Il lavoro, che talvolta impegna l’artista per più di due mesi, inizia con la scelta di un soggetto che viene poi fotografato in diverse posizioni e sotto luci di differente intensità; lo scatto selezionato viene poi stampato in bianco e nero e riprodotto su carta. L’ultima fatica di CJ Henry ha dato vita ad una serie di opere che ritraggono quello che per noi di Reca Group è pane quotidiano: quindici shopper firmate dalle più importanti maison di moda mondiali puntigliosamente ritratte, con abbondanza di dettagli, su pannelli di 1.8 x 2.4 metri. Una piacevole scoperta che ci ha lasciati a bocca aperta!
Collaborations between Fashion and Music have become almost the norm… but when those involved happen to be two of the most unusual and yet representative landmarks of their respective fields, we can count on an astonishing outcome. This is certainly the situation with the extraordinary collaboration between two English one-off creators: Sir Paul Smith and the White Duke, David Bowie. For the release of the singer’s latest album, The Next Day, Smith has designed the look of a series of autographed limited edition vinyl versions: eighty translucent ruby red copies, for sale on the websites of Paul Smith, Selfridges and the Nottingham Music Exchange. However, since most collaborations are two-way affairs, the designer’s contribution to the record design is balanced by the creation of a series of official Bowie T-shirts designed by the artist Jonathan Barnbrook and printed on natural cotton, with the handwritten dedication ”Paul Smith for David Bowie”. The designer, delighted with this collaboration, has enthusiastically announced other joint projects between the two before the year is out. Whetting our curiosity, to put it mildly!
Moda e musica ci hanno ormai abituati alle collaborazioni comuni, ma se a scendere in campo sono due dei più rappresentativi ed iconici sovrani di questi due mondi, allora il risultato è strabiliante. E’ questo il caso della felice collaborazione tra due star inglesi di indiscusso successo: sir Paul Smith e il duca bianco David Bowie. In occasione dell’uscita dell’ultimo album del cantante, The Next Day, lo stilista inglese ha curato il look di una serie di vinili autografati in edizione limitata: ottanta copie traslucide di colore rosso rubino, in vendita sul sito di Paul Smith, su Selfridges e Nottingham Music Exchange. Ma visto che una collaborazione che si rispetti non è completa senza che avvenga uno scambio reciproco, l’incursione dello stilista in campo musicale è stata contraccambiata dalla realizzazione di una serie di T-shirt ufficiali disegnate dall’artista Jonathan Barnbrook e stampate su cotone naturale, che riportano la semplice scritta ”Paul Smith for David Bowie”. Lo stilista, entusiasta della collaborazione, preannuncia altri progetti comuni entro la fine dell’anno. Attendiamo curiosi!