The creative genius of Martin Margiela condensed into twelve minutes: that’s The Artist Is Absent, a short presented at the last edition of the Tribeca Film Festival and dedicated to the famous Belgian couturier who for years has jealously refused to cede any images of himself to the media. The film’s director, Alison Chernick – who has previously shot films on visual artists such as Matthew Barney and Jeff Koons – tells the designer’s story with the help comments from various personalities ‘in the know’, including Jean Paul Gaultier, in whose atelier Margiela began his career, and Patrick Scallon, his spokesman, who describes the progressive elimination of visual images showing his face and the parallel growth of his mythical status.
Il genio creativo di Martin Margiela condensato in dodici minuti: è The Artist Is Absent, cortometraggio presentato in occasione della scorsa edizione del Tribeca Film Festival e dedicato al famoso couturier belga che da anni nega la propria immagine ai media. La regista Alison Chernick, che in passato aveva lavorato su personaggi del mondo dell’arte come Matthew Barney e Jeff Koons, ripercorre qui la storia dello stilista punteggiandola di testimonianze blasonate: da Jean Paul Gaultier, nel cui atelier Margiela ha iniziato la propria carriera, a Patrick Scallon, portavoce dello stilista, il quale ricorda il progressivo eclissamento della sua immagine e l’inarrestabile emergere del mito.
The Parisian actress will design an ethical and sustainable collection for the French fine jewellery brand. Having won fame as an actress, and then excelled as a model, for her next act she’ll show us her design talents. Marion Cotillard moves to extend her sophisticated skills in the fashion world: having transmitted her photographic charisma in the latest Dior campaign, the Parisian actress is moving into the world of jewellery to design the next collection for Chopard’s Green Carpet line. Recently Chopard launched a major new project called The Journey, committing itself to the creation of sustainable high quality jewellery: the gold used for these new creations comes only from South African mining communities who have obtained the Fairmined certificate, while all the diamonds used have been produced under the supervision of the Responsible Jewellery Council. When ethics joins forces with aesthetics.
La sapevamo attrice, l’abbiamo ammirata come modella e tra poco la scopriremo designer! La raffinatissima Marion Cotillard prosegue la sua carriera nel mondo della moda: dopo aver posato come protagonista dell’ultima campagna Dior, l’attrice parigina approda alla gioielleria disegnando la prossima collezione della linea Green Carpet per Chopard. Il brand ha infatti recentemente lanciato il progetto The Journey, impegnandosi nella creazione di un’alta gioielleria sostenibile: l’oro utilizzato per la realizzazione di questi preziosi esemplari proviene da comunità di minatori sudamericani certificate Fairmined e tutti i diamanti sono prodotti sotto la supervisione del Responsible Jewellery Council. Quando l’etica incontra l’estetica.
After its world preview at the recent edition of the Tribeca Film Festival, festivals and cinemas around the world will this month be showing the fashion documentary on Dior directed by the French director Frédéric Tcheng. Shot shortly after the appointment of Raf Simons as the maison’s artistic director in 2012, the documentary focuses above all on the frenetic and passionate collective preparatory process thanks to which – in only 8 weeks – Simons created his first haute couture collection. Tcheng is a specialist in this sector, having in the past collaborated in the making of documentaries on Diana Vreeland and Valentino. Here he goes backstage and directs his camera on the magic-making, revealing the extraordinarily skilled dedication and the reverential love that drive an unbelievable team united by a single shared objective: to perpetrate the Dior myth.
Dopo la sua anteprima mondiale nel corso dell’ultimo Tribeca Film Festival, approderà questo mese nelle sale cinematografiche e nei festival di tutto il mondo il fashion-doc diretto dal regista francese Frédéric Tcheng e dedicato alla storica maison Dior. Girato all’indomani della carica a direttore artistico di Raf Simons nel 2012, il documentario segue passo passo il frenetico ed appassionato lavoro che invase la maison nelle sole otto settimane impiegate per dar vita alla sua prima collezione di haute couture. Tcheng, regista collaudato del settore (aveva in passato collaborato alla realizzazione di documentari su Diana Vreeland e Valentino), scosta le quinte della passerella e ridireziona i riflettori per svelare tutta la magia, l’eccelsa professionalità e l’amore reverenziale che caratterizzano il lavoro di un’equipe straordinaria, accomunata dalla condivisione di un obiettivo commune: perpetuare il mito Dior.
During the recent New York Film Festival, the US documentary specialist Albert Maysles presented his latest film. Always attracted to oversize personalities in the American fame game, Maysles here tells the amazing story of 93 year-old Iris Apfel: interior designer, entrepreneur, White House decorator, but above all extravagant personality with a personal style all her own, subject of numerous museum retrospectives. Iris is a long and lively encounter with its subject, set in her exuberant apartment among the objects that reflect her indomitably outsized curiosity and vitality. The lady has stated that being filmed for all this time (shooting for the documentary began in 2010) has made her feel like a queen: now there’s an interesting court for us to explore!
E’ stata presentata durante lo scorso New York Film Festival l’ultima fatica del regista e documentarista americano Albert Maysles. Da sempre attratto dalle personalità che popolano lo star system statunitense, Maysles racconta ai propri spettatori l’avvincente storia della 93enne Iris Apfel: interior designer, imprenditrice, decoratrice per la Casa Bianca, ma soprattutto figura inimitabile, regina di uno stile eccentrico e personale e soggetto di diverse retrospettive museali. Iris, questo il titolo del documentario, è un lungo e serrato confronto con la protagonista, ambientato nel suo esuberante appartamento, tra gli oggetti che ne rispecchiano l’inesauribile prorompenza e la sempre curiosa vitalità. Secondo la Apfel, essere ripresa durante tutti questi anni (l’avventura documentaristica è iniziata nel 2010), è stato come essere una regina! E noi non vediamo l’ora di essere ammessi alla sua corte.
Last September, in Rome, a documentary film about Frida Giannini and her first decade as the Artistic Director of Gucci was presented to the public. Its title was “The Director. Inside the House of Gucci”, and it was directed by Christina Voros and produced by the many-talented James Franco (himself a fashion testimonial for Gucci). Eighteen months of shooting were required, and the result was condensed to ninety minutes of gripping material focused on the backstage behind the glittering façade of the fashion business… showing the sheer grind, the craftsmanship and the fatigue that have made this brand a symbol of luxury and excellence on the world stage. Voros – the director of The Director – describes her work thus: “The House of Gucci has become so hugely iconic that it has assumed the status of a symbol in the collective imagination. My hope is that the film will conduct the public on a journey exploring Frida Giannini’s creative vision and also the industry on which she is exerting such an indelible influence.”
E’ stato presentato a Roma all’inizio dello scorso settembre il film documentario dedicato a Frida Giannini e alla sua prima decade di direzione della storica maison Gucci. Il docu-film, intitolato “The director. Inside the house of Gucci”, diretto da Christina Voros e prodotto dal poliedrico James Franco (già testimonial del marchio), ha richiesto alla regista diciotto mesi di riprese, condensate in novanta minuti di appassionato racconto volto a svelare tutto ciò che si nasconde dietro il luccichio del fashion business: l’impegno, la sapienza artigianale e la fatica che hanno reso l’azienda sinonimo di eccellenza sul panorama internazionale. Così la stessa Voros presenta la sua opera: “La maison Gucci è diventata talmente iconica che il suo simbolismo ormai rappresenta un mondo nell’immaginario collettivo. La mia speranza è che il film accompagni il pubblico in un viaggio attraverso la visione creativa di Frida Giannini e l’industria nella quale sta lasciando il suo segno indelebile”.
The acclaim reserved for Grand Budapest Hotel at the 2014 Berlinale is by no means the only satisfaction Berlin has granted the film director from Texas in recent years. Last year, for example, a sophisticated short film shot for Prada won the prize for Best Film for Major Brand and Best Screenplay at the Berlin Fashion Film Festival, the annual event staged during the Berlin Fashion Week. This short – authored by Anderson and his companion on Moonrise Kingdom, Roman Coppola – publicizing Prada’s new perfume, Candy, features a stunning and ever-hungry Léa Seydoux contested by two men, set in a retro Parisian ambience: delicious!
Il successo riscosso da Grand Budapest Hotel alla Berlinale 2014 non è certo l’unica celebrazione che la città ha riservato negli ultimi anni al regista texano Wes Anderson. Lo scorso anno infatti, un breve e raffinato cortometraggio prodotto per Prada si era aggiudicato il premio come miglior film per major brand e miglior sceneggiatura al Berlino Fashion Film Festival, evento annuale organizzato durante la settimana della moda berlinese. Il cortometraggio, firmato da Anderson insieme al compagno di Moonrise Kingdom Roman Coppola per pubblicizzare la nuova fragranza Prada, Candy, vede una golosissima e bellissima Léa Seydoux disputata da due uomini sullo sfondo di una Parigi dai toni retrò. Delizioso!
Last year, Shanghai decided to create a new museum, devoted to its distinguished local film-making tradition, with the aim of reminding its public of the important role played by the city over the years in the Asian film industry. Charged with the creating the museum’s design and artistic direction, the Coordination Asia planning studio has done a first-class job, perfectly serving the project’s mission by creating a museum positioned at the crossroads between the descriptive museum approach (over three thousand items in the permanent collection) and the narrative museum approach (featuring interactive installations that transport visitors directly inside the film, conceived as a modern multi-disciplinary form of art. Spread over four floors, with a combined area of roughly 15,000sq.m, the museum invites the visitor to explore it as though on a journey along one interminable red carpet.
Lo scorso anno la città di Shanghai ha deciso di istituire un nuovo museo, dedicato alla tradizione cinematografica locale, allo scopo di sensibilizzare il pubblico sull’importante ruolo rivestito dalla città sullo scacchiere dell’industria cinematografica asiatica. Lo studio di progettazione Coordination Asia, incaricato del progetto e della direzione artistica del museo, ha centrato l’obiettivo preposto creando un museo che si posiziona al crocevia tra la tradizione museologica descrittiva (sono tremila i reperti custoditi nella collezione permanente) e quella narrativa (con installazioni interattive che trasportano il visitatore direttamente dentro la pellicola, nella magia di un’arte moderna e pluridisciplinare). Quattro livelli, per un totale di circa 15.000mq, da attraversare come un interminabile red carpet.
Dogme – its name echoing that of a manifesto written in 1995 by the Danish film directors Lars von Trier and Thomas Vinterberg – is a new twice-yearly magazine whose mission is to describe the art of cinema from a different viewpoint. The simplified graphic style featured over the one hundred pages of the first issue (launched in mid-February) goes perfectly with the magazine’s intimate contents: photos on and around the film-set, compelling narrative images, interviews with the so-called “marginal” figures in film-making… a world which all-too often concentrates exclusively on the protagonists or else on abstract conversations on the aesthetics of cinematic art. Distributed in Europe by Antenne Books, and also purchasable online.
Dogme, il nome echeggia quello del manifesto pubblicato nel 1995 dai registi danesi Lars von Trier e Thomas Vinterberg, è una nuova rivista semestrale che si incarica di raccontare il cinema da un punto di vista del tutto inedito. La grafica essenziale che contraddistingue le cento pagine di cui si compone la prima edizione (uscita a metà febbraio) ben si combina ai contenuti intimistici di cui la rivista si fa portatrice: scatti fotografici rubati dietro alle quinte, una serrata narrazione per immagini, interviste a personaggi laterali di un mondo che tende a concentrarsi sui protagonisti e conversazioni sull’arte cinematografica. Distribuita in Europa da Antenne Books, la rivista è acquistabile on line.
Catherine Martin is no stranger to the red carpet: so far her creations have won her five Academy Awards and one BAFTA, as well as dozens of other prizes. Her latest triumph bears the date 2 March 2014, when she won the Oscar for her costumes for The Great Gatsby. Her partnership with the Australian director Baz Luhrmann, the film’s driving creative force, goes beyond the professional sphere: the two have been married since 1997, and ever since – with reciprocal admiration – have been interweaving phenomenal storytelling with supreme costume design, their prize-winning creations including Moulin Rouge and Australia, with Nicole Kidman, and Romeo+Juliet with Leonardo DiCaprio. Catherine’s film projects have led to her notching up a number of high-profile collaborations with fashion brands, such as Miuccia Prada (for The Great Gatsby) and Karl Lagerfield, but her design activities also include creating elegant collections of furnishing fabrics.
Catherine Martin non è certo una principiante del red carpet: ad oggi, le sue creazioni si sono aggiudicate cinque Academy Award e un BAFTA Award, oltre a numerosi altri premi. L’ultimo successo professionale risale alla magica notte del 2 marzo 2014, quando la designer ha ottenuto l’Oscar per i migliori costumi con il film Il Grande Gatsby. Il sodalizio con il regista australiano Baz Luhrmann, artefice della pellicola, non è solo di natura professionale: i due sono infatti sposati dal 1997 e da allora hanno intrecciano con reciproca ammirazione storie fantastiche e di inequiparabile fattura sartoriale (per citare solo alcuni dei successi premiati della coppia, ricordiamo Moulin Rouge e Australia, con Nicole Kidman, e Romeo+Juliet con Leonardo DiCaprio). L’impegno cinematografico di Catherine l’ha portata a collezionare una serie di importanti collaborazioni con grandi marchi della moda, come Miuccia Prada (proprio in occasione de Il Grande Gatsby) e Karl Lagerfeld; tuttavia la sua attività di designer prosegue oltre la scena, con eleganti collezioni di tessili per l’arredo.
The video promo for Alexander McQueen’s 2014 Spring/Summer collection is a fully fledged dark thriller short film, directed by Steven Klein. It features a straw-coloured visitor from a science fiction future, wandering casually through shadowy empty streets, played by Kate Moss, who encounters a videocamera-wielding male (played by director Klein) who follows her home to an eerie atmosphere populated with voodoo dolls and hallucinogenic overtones. Clothing and accessories too hint at occult inspirations: straps, hides and tenuous bronze reflections artfully modelled to caress her body in a breathtaking embrace.
Diretto da Steven Klein, il video promo della collezione primavera/estate 2014 di Alexander McQueen è un vero e proprio cortometraggio dark thriller. Ad interpretarlo una paglierina Kate Moss sbarcata da un futuro di fantascienza per aggirarsi incauta in strade buie e desolate; è qui che incontra una figura maschile armata di videocamera (interpretata dallo stesso regista) che la segue fino a casa, tra ombre, sfumature allucinate e bambole voodoo. Abiti e accessori sembrano a loro volta ispirati all’occulto: cinghie, pellami e tenui riflessi bronzei modellati ad arte per abbracciare il corpo in una stretta da togliere il fiato.
