Clothing accessories stimulating the vocabulary of furnishing design? On Etsy.com you can find personal items or furnishing objects, created with full eco credentials, reusing leather labels originally used on jeans. Do you boast eccentric tastes? King of Sweden, an online store for furnishing accessories, sells a jeans label carpet, made by the Scandinavian company Polytuft, featuring a highly sturdy patchwork with a striking visual impact, made by recycling leather labels from old jeans… a strange mix of country and contemporary in which every carpet is a unique work: perfect for anyone determined not to live in a mass-produced home. Needless to say, these carpets will last practically forever! Boho by Nature, a brand with a warmly bohemian inspiration, sells a bag which follows a similar concept: more eco accessories with an elegantly rustic look and an assertive personality, made for travelers whose destination is simply roaming the globe. Latitudes is a solidarity brand which has online sales inspired by the same idea, in this case using spoilt or reject labels never actually used, recycling waste as a meaningful material.
Gli accessori per abbigliamento entrano a pieno titolo nell’immaginario dei designer d’arredo. Su Etsy.com si possono trovare oggetti personali o di arredo realizzati, in modalità “eco”, con l’utilizzo di etichette in cuoio recuperate da vecchi jeans. Sei una persona eccentrica? King of Sweden, negozio online di accessori d’arredo, commercializza il jeans label carpet, della scandinava Polytuft, un patchwork molto resistente e di forte impatto visivo realizzato riciclando le etichette in cuoio dei jeans, a metà tra country e contemporaneo ogni tappeto è un pezzo unico, adatto a chi non vuole vivere in un ambiente “in serie”; inutile ricordare che la vita dell’oggetto è praticamente infinita. Boho by nature, marchio dai temi ispirati alla vita bohemienne, commercializza una borsa dal concept analogo: in queste creazioni si orbita attorno al mondo accessori, con un look rustico ma elegante, di forte personalità, adatto a chi ama viaggiare per il mondo, senza una particolare meta. Anche la solidale Latitudes commercializza online un prodotto basato sulla medesima ispirazione, in questo caso utilizzando etichette fallate scartate dalla produzione per dargli una seconda vita, un nuovo senso.
Take one media artist with a fixation on fashion and one avant-garde publisher, add a handful of young designers with multifaceted poetic perspectives and sprinkle generously with fashion’s ability to invent powerful images… and you have a high impact recipe for a style exercise that projects itself from the imaginary away into the otherworldly. Otherworldly – the title of this volume published by Gestalten Verlag in February 2016, curated by the artist T. M. Lexileictous – is a collection of photos of clothing and accessories that turn their backs on conventional fashion. The book was conceived with aim of stimulating and inspiring fashion sector professionals, but has actually fascinated readers from a far wider and more varied field, provoking variegated reflections on the underlying nature of fashion. Despite the extreme contrasts in vision and style between the different young designers whose work is seen here, they all share a view of fashion as a kind of performance game with the ability to transform the human body, proposing wearable sculptures and extreme dramatic images, and inhabiting a point of convergence between high quality handcrafting expertise and digital technology. A gallery of possible metamorphoses that challenges the aesthetic cannons of beauty imposed by collective orthodoxy.
Prendi un media artist con il pallino per la moda e una casa editrice d’avanguardia, aggiungi una manciata di giovani designer dalle poetiche multisfaccettate e cospargi del potere immaginifico della moda: il risultato sarà una raccolta di esercizi di stile che si spingono oltre i confini dell’immaginazione, proiettandoci verso un ultramondo fantastico. Otherworldly – questo appunto il titolo del volume pubblicato da Gestalten Verlag nel febbraio 2016 e curato dall’artista T. M. Lexileictous – raccoglie fotografie di abiti ed accessori che ripudiano gli schemi ordinari. Il libro è nato con l’intento di fornire una fonte d’ispirazione agli addetti del settore, ma stimola l’interesse dei più disparati lettori, invitandoli ad una profonda riflessione sulla natura stessa della moda. Sebbene multivariegati nelle fonti e nello stile, i giovani designer qui raccolti interpretano la moda come un gioco performativo in grado di trasformare il corpo umano, proponendo sculture indossabili e immagini fortemente drammatiche, che segnano il punto di convergenza tra alti saperi artigianali e ausilio di tecnologie digitali. Una raccolta di metamorfosi possibili e affascinanti che sfidano i consunti canoni di bellezza imposti dalla comune approvazione.
Fashion-minded visitors from all over the world, as from today there is a new address to bear in mind for your stays in Rome: Fendi Private Suites is a uniquely refined and stylish hospitality structure within a stone’s throw of the luxuries of Via Condotti. In 1989, like other fashion brands, Fendi launched its own furnishing line, and just recently it established its new headquarters in the famous Palazzo della Civiltà Italiana, masterpiece of the 1930s Rationalist Style. Now it offers the most demanding tourists this exclusive residence with seven bedrooms and ravishingly beautiful communal areas. Its various spaces have been superbly restored and renewed by the architect Marco Costanzi, projecting a timeless allure which conjures surprising but compelling dialogues between antique and future-filled perspectives. Marble dominates, in four nuances inspired by local traditions (rust coloured, Travertine, green and Pantheon white), used on walls and combined with oak floors, antiqued mirrors and lace. The furnishings from the Fendi Collections are complemented by modernist classics and pieces expressly designed by Costanzi, the architect. Enchanting scenarios for consummately stylish accommodation.
Viaggiatori modaioli di tutto il mondo, da oggi c’è un nuovo indirizzo da tenere a mente per le vostre trasferte nella città eterna: Fendi Private Suites è una struttura d’accoglienza unica per stile ed eleganza, proprio a ridosso della lussureggiante via Condotti. Il marchio, che già nel 1989 aveva lanciato come altri concorrenti una linea di arredamento e da poco ha stabilito il proprio quartier generale nel famoso Palazzo della Civiltà Italiana, capolavoro del razionalismo, offre ai turisti più esigenti questa residenza attrezzata con sette camere da letto e spazi comuni d’imbattibile bellezza. Gli spazi, recuperati con grande maestria secondo il progetto dell’architetto Marco Costanzi, sono caratterizzati da un fascino senza tempo, che raduna in stretto dialogo epoche passate e proiezioni future. A farla da padrone è il marmo, presente in quattro nuances ispirate alla tradizione locale (color ruggine, travertino, verde e bianco Pantheon), adoperato nei rivestimenti in accostamento con pavimentazioni in rovere, specchi anticati e pizzi; gli arredi provenienti dalle collezioni Fendi sono stati accostati a classici del modernismo e a pezzi appositamente progettati dall’architetto Costanzi. Scenario incantevole per un soggiorno di gran classe.
French architect and town planner Christian De Portzamparc has completed the extraordinary new store designed to display the creations of Maison Dior in Seoul: a corner building which projects its highly particular spell on the city’s skyline. In its new garment, inspired by the tailored design style which has made the brand famous all over the world, the building consists of two contrasting but complementary moods: one side features rectangular shapes and evokes the male side of fashion, while the main façade expresses feminine inspiration through the majestic sinuous lines of huge white resin sails which seem to billow gracefully towards the sky with all the fluttering softness of a haute couture dress.
L’architetto e urbanista francese Christian De Portzamparc ha ultimato la nuova, straordinaria struttura che ospiterà le creazioni della Maison Dior a Seoul: un’architettura d’angolo che impone il proprio charme sul panorama cittadino. L’edificio, ispirato al design sartoriale che ha reso famoso il marchio nel mondo, è composto da due anime contrastanti e complementari: un lato, caratterizzato da linee squadrate, interpreta l’indole maschile della moda, mentre la facciata principale affida ogni ispirazione di femminilità a delle maestose e sinuose vele di resina, che si lanciano verso il cielo con la morbidezza fluttuante di un abito d’haute couture.
Marcel Duchamp believed that the artist is someone who examines reality in order to select things which deserve our attention…in this sense, Bianca Luini is a fascinating artist. Her blog Where I See Fashion began almost playfully during the development of a university project at the Design Faculty of the Milan Polytechnic, but today it has conquered an extraordinary following of over 400,000 readers. Bianca’s winning intuition? To elevate the simple action of reblogging (using social media such as Pinterest, for example) as a vehicle for creating intelligent associations between different images, creating diptychs that bring together details from catwalk fashion with suggestive heterogeneous references to the world of art (painting, photography or architecture). Receiving her updates is like being stimulated by a daily tonic of creative inspiration. Try a taste!
Se, come ci ha insegnato la lezione di Marcel Duchamp, l’artista è colui che monitora l’esistente per selezionarne ciò che merita il nostro sguardo, allora Bianca Luini può a tutti gli effetti essere considerata tale. Il suo blog, Where I See Fashion, nato quasi per gioco durante lo sviluppo di un progetto universitario presso la Facoltà del Design del Politecnico di Milano, è oggi tra i più popolari del momento, con più di 400.000 lettori. L’intuizione di Bianca? Elevare la semplice azione di reblogging (quella veicolata da social come Pinterest, per intenderci) all’associazione ragionata di immagini, editando dittici che affiancano dettagli sottratti alle passerelle a riferimenti evocativi del mondo dell’arte (pittorica, fotografica, architettonica). Ricevere i suoi aggiornamenti è come usufruire di un quotidiano elisir di ispirazione creativa. Provare per credere!
Making Music Modern: Design for Eye and Ear is the title of an exhibition in New York’s MoMA – inaugurated in November 2014 and programmed to remain open until November 2015 – focused on the connections between music and design. Curated by Juliet Kinchin and Luke Baker, the show is made up entirely from items owned by the museum: from its archive store, an array of instruments and units for making or reproducing music has been selected, plus graphic items such as record covers, librettos and posters, along with architectonic projects for auditoriums and music rooms. The aim of the exhibition is to explore the influence of design on ways of making and listening to music throughout the 20th century, including works by figures spanning the whole period, from Charles Rennie Mackintosh, to Lilly Reich, Saul Bass, Jørn Utzon and Daniel Libeskind.
Making Music Modern: Design for Eye and Ear è il titolo della mostra in cartellone presso il MoMA di New York, inaugurata lo scorso novembre e destinata a durare fino al termine del prossimo anno, interamente dedicata al fil rouge che connette musica e design. L’esposizione, curata da Juliet Kinchin e Luke Baker, è stata interamente composta attingendo dal ricco patrimonio del museo, dai cui archivi sono stati selezionati strumenti ed apparecchi per l’ascolto della musica, elaborati grafici quali cover, libretti e manifesti, oltre a molti progetti architettonici per auditorium e sale d’ascolto. L’intento degli organizzatori è quello di far luce sull’influenza esercitata dal design sul nostro modo di fruire la musica lungo tutto l’arco del XX secolo, attraverso le opere di maestri antichi e recenti, come Charles Rennie Mackintosh, Lilly Reich, Saul Bass, Jørn Utzon e Daniel Libeskind.
The London Mondrian Hotel has finally opened its doors to the public. After months of speculation and previews, it is now finally possible to stay in this huge building overlooking the Thames. Designed by Warren Platner in 1978 as a luxury hotel and subsequently converted into an office building, it now returns to its original vocation through a bold interior redesigning project by British designer Tom Dixon. This reconversion is inspired by vintage 1920s transatlantic liner style, given bold new life not only in the hotel itself but also in a series of collateral adjacent spaces with other functions… these include the restaurant run by the internationally renowned chef Seamus Mullen, with a menu offering a revisited blend of traditional British and American cuisines, while next to it, the Dandelyan Bar offers a gentlemanly English mood for excellent cocktails in a space dominated by emerald green marble. In the basement area, the AGUA Bathhouse and Spa offers guests a deeply relaxing pause among curved walls and suffused lighting, while a panoramic rooftop cafeteria offers a stunning view onto the Thames. The guest rooms also strongly provide a contemporary take on vintage marine style, in their compact elegance and curved brass detailing. Ready to set sail?
Mondrian ha finalmente aperto le proprie porte nella capitale britannica. Dopo mesi di anticipazioni è oggi possibile pernottare nell’immenso edificio affacciato sul Tamigi; progettato da Warren Platner nel 1978 come hotel di lusso e poi divenuto sede di uffici, l’immobile ritorna oggi alla sua funzione originaria grazie all’intervento del designer inglese Tom Dixon che ne ha disegnato gli interni. La riconversione, ispirata all’estetica tipica dei transatlantici anni Venti, è intervenuta oltre che negli spazi alberghieri, su una serie di locali adibiti a servizi collaterali. Tra questi il ristorante gestito dallo chef di fama internazionale Seamus Mullen, il cui menù fonde tradizioni culinarie inglesi e statunitensi in chiave rivisitata, mentre il limitrofo bar Dandelyan offre ai genleman inglesi l’opportunità di sorseggiare ottimi cocktail in un ambiente caratterizzato da marmi verde smeraldo. Nel seminterrato la AGUA Bathhouse and Spa regala agli ospiti momenti di assoluto relax tra pareti ricurve e luci soffuse, mentre, ai suoi antipodi, una terrazza panoramica adibita a caffetteria offre una meravigliosa vista sul Tamigi. Le camere infine, sottolineano il richiamo allo stile marittimo, con la loro struttura compatta e i dettagli in ottone ricurvo. Pronti a salpare?
Peddy Mergui is a Moroccan-born artist and designer transplanted to Israel, but what has attracted worldwide attention to his work has been his recently concluded exhibition in the Museum of Craft and Design in San Francisco. As an expert on marketing strategies, Mergui has created his Wheat is Wheat is Wheat project as a refined exercise in style that sets out to “clothe” a series of basic food industry products with packaging apparently designed by the most famous fashion houses (and other fashionable luxury suppliers). The result is amazingly life-like, featuring among others iMilk by Apple, Prada flour, Louis Vuitton salami, Tiffany yoghurt and Versace eggs, each with packaging whose every detail is faithful to the aesthetic and stylistic characteristics of its international brand image. An appealing and amusing exercise which is also a challenging invitation to reflect on the nature and the power of image marketing.
Peddy Mergui è un artista e designer di origine marocchina trapiantato in Israele, ma ad accendere i riflettori sulla sua opera e ad attribuirgli risalto internazionale ci ha pensato una mostra da poco conclusa presso il Museum of Craft and Design di San Francisco. Esperto conoscitore delle strategie di marketing, con il progetto Wheat is Wheat is Wheat Mergui ha elaborato un raffinato esercizio di stile che prevede di “vestire” una serie di prodotti di base dell’industria alimentare con abiti firmati dalle più rinomate aziende di moda (e non solo). Il risultato è stupefacentemente verosimile: sono nati così, tra gli altri, l’iMilk di Apple, la farina Prada, i salami Louis Vuitton, lo yogurt Tiffany e le uova Versace, tutti perfettamente aderenti ai principi estetici che identificano i suddetti brand sul mercato internazionale. Un esercizio dall’esito accattivante e divertente, che è anche un richiamo a riflettere sul potere dell’immagine.
Dogo Onsen is an ancient hot springs complex in the city of Matsuyama, on the island of Shikoku. The folkloric atmosphere that normally characterizes Dogo Onsen was a source of inspiration for Hayao Miyazaki’s animated fantasy film, Spirited Away. This year, to celebrate the 120th Anniversary of its main spa resort, a bevy of well-known artists have been commissioned to make their design contributions to rooms in nine locations in the area (Traditional Hotels and Ryokan Inns), as part of the Hotel Horizontal project, one of the key installation events of the Dogo Onsen Art 2014 Festival. Photographers, poets and painters have expended their ingenuity and art on the redecoration of communal spaces and guest rooms, which will remain available as accommodation for guests at the cost of 550 Euros a night until January 2015. Those lucky enough to be able to visit the city during the Festival and attend its some of its numerous events will thus be able to spend their nights in highly original settings such as photographer Nuboyoshi Araki’s room with bondage images of women in traditional kimonos, or the blizzard of polka dots in the room designed by the artist Yayoi Kusama.
Dogo Onsen è un antico centro termale giapponese situato nella città di Matsuyama, sull’isola di Shikoku. Il folklore che lo caratterizza è stato fonte d’ispirazione per la realizzazione del film d’animazione di Hayao Miyazaki, Spirited Away. Quest’anno, per celebrare il 120° anniversario dello storico edificio termale, una vasta e rinomata schiera d’artisti è stata chiamata ad intervenire su nove location limitrofe (hotel e ryokan
tradizionali) nell’ambito del progetto Hotel Orizzontale, uno tra gli eventi di spicco del Dogo Onsen Art 2014 Festival. Fotografi, poeti e pittori hanno prestato il proprio ingegno e la propria opera alla riqualificazione di stanze ed ambienti comuni che saranno usufruibili dai visitatori fino al gennaio 2015 al costo di 550 euro per notte. I fortunati che prenderanno parte alla manifestazione, oltre a godere dei numerosi eventi in programma, potranno così pernottare, ad esempio, tra le donne in kimono tradizionale del fotografo Nuboyoshi Araki, o addormentarsi sotto una pioggia di vivaci pois nella stanza progettata dall’artista Yayoi Kusama.
At the end of this month, London’s prestigious Design Museum will inaugurate a major exhibition titled Women Fashion Power, featuring a rich collection of personal outfits by 25 contemporary women in various kinds of “powerful” social positions, and a broader range of items, illustrations and reflections on fashion and clothing as instruments in the construction of feminine prestige and empowerment. All in all, 150 years of fashion are covered, including style studies on figures as different as Queen Elizabeth, Margaret Thatcher, Coco Chanel and Lady Gaga… examples of women who deliberately fashioned their own personal style in order to declare to the world who they are and what they stand for. The exhibition, designed by Zaha Hadid – herself an example of womanly international personal prestige – and curated by Colin McDowell and Donna Loveday, will remain open until Spring 2015. All of which confirms words written nearly a century ago by another woman, of great intellectual and artistic power and great personal fragility: “Though they seem to be things of secondary importance, the mission of clothes is not only to keep us warm. They change the appearance of the world in our eyes and change us in the eyes of the world. (Virginia Woolf, Orlando, 1928).
Inaugurerà alla fine del mese presso il prestigioso Design Museum di Londra l’esposizione Women Fashion Power: una ricca rassegna dei guardaroba delle donne più influenti nei diversi ambiti della vita pubblica, per svelare il potere della moda nella costruzione del prestigio femminile. Dalla regina Elisabetta a Margaret Thatcher, da Coco Chanel a Lady Gaga, le protagoniste di questa esposizione sono donne artefici della definizione di un inconfondibile stile personale, dettato non dal capriccio ma dall’esigenza di dichiarare al mondo ciò che sono e ciò che valgono. L’esposizione, progettata a sua volta da una donna internazionalmente affermata come Zaha Hadid e curata da Colin McDowell e Donna Loveday, sarà visitabile fino alla primavera del prossimo anno. Ad ulteriore conferma di quanto scrisse un tempo un’altra donna, potente e reazionaria: “per quanto sembrino cose di secondaria importanza, la missione degli abiti non è soltanto quella di tenerci caldo. Essi cambiano l’aspetto del mondo ai nostri occhi e cambiano noi agli occhi del mondo” (Virginia Woolf).